 ▲ 필자/허회태 작가. ©브레이크뉴스 |
시는 말하는 그림이요, 그림은 말이 없는 시라 할 때 서예는 무엇인가? 서예(書藝)는 흔히들 묶음으로 얘기하는 시서화(詩書畵)의 가운데 자리한다. 서예는 그림이면서 시(詩)고, 시이면서 그림이다. 그래서 두 영역의 사이에 서서 시와 그림을 이어주는 매개로 작용하는 것은 아닐까 생각해 본다.
시(詩)는 서(書)로서 빛나고, 그때 비로소 화(畵)가 된다. 서예(書藝)는 말하는 시요, 말하는 그림이다. 서예를 하는 예인이 서예가에 그치지 않고 시인이며 동시에 화가일 때, 더욱 자기의 작품세계를 풍요롭게 할 수 있다고 나는 믿는다.
무릇 문학과 미술과 음악 이런 대부분의 예술이 그렇듯이 서예 역시 작품 속에는 장인(匠人)의 혼과 삶의 역정이 묻어있게 마련이다.
시는 천 가지 언어로, 그림은 천 가지 색으로, 음악은 천 가지 현으로 그 무한한 표현의 도구를 가지고 있지만, 서예는 오직 먹의 농담(濃淡)이 있을 뿐이다. 일점일획, 먹의 윤갈(潤渴)과 선의 굵기와 붓의 강약이 있을 뿐이다. 여기에 아무런 화려함은 없다. 한없이 단순하다. 그러나 그 단순함 속에는 천 가지 말과 색과 음을 능가하는 무궁함이 있다. 나는 오히려 그 단순함 속에서 만 가지 말과 색과 음을 발견한다.
텅 빈 서실(書室)에 혼자 앉아 먹을 갈고 종이 위에 붓을 들기 전, 시경의 문장을 묵상(默想)할 때, 서예가는 비로소 자유인이 된다. 그때 오직 검정의 먹물은 진달래의 연분홍이 되기도 하고, 여름의 모란과 가을 국화와 겨울 동백의 화려한 색감을 얻으며 시의 평면적 언어를 그림의 감각적 세계로 끌어올릴 수 있다. 그것이 서예이고 나의 작품은 그렇게 시작된다.
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
한 사람의 서예가는 오랜 세월 각고의 노력 끝에 태어난다. 대부분 서예에 초발심(初發心) 하는 사람들은 선현(先賢)들이 남긴 육필 서책을 통해, 또는 어떤 필법을 연마하는 과정을 통해 그 정신과 기법을 터득해 나갈 것이다.
고전에 대한 선택적 시각을 갖고 서예에 대한 사유와 독자성을 탐구하면서 자신만의 세계를 찾으려는 노력은 누구에게나 공통된 것이며 나 역시 예외가 아니다.
서예를 하는 사람은 먹물이 마를 날이 없도록, 먹 냄새와 책 냄새 속에서 잔뼈가 굵고 문자향(文字香) 서권기(書券氣)가 자연스레 몸에 배어야 하며, 그런 연마의 과정을 거친 뒤에야 나만의 조형 언어를 추구할 수 있는 장인이 된다는 것이 나의 지론이다.
나는 좌고우면(左顧右眄) 하지 않고 평생 오직 한길로 금맥(金脈)을 찾아가는 길이 바로 우리가 걸어가야 할 숙명이라고 자신에게 주문하곤 한다.
예술은 가슴속에 감동의 파문이 일 때 온다고 한다. 가만히 사물을 관찰하여, 그 사물로부터 어떤 감흥이 일어날 때, 그때가 붓을 들 때라는 말이다. 밖으로 자연의 조화를 본받고 안으로 마음의 근원에서 얻는다는 묵식심융(默識心融)의 뜻이 그 안에는 담겨있다.
서예 예술의 본질을 깊이 들여다보고, 거기에 어떻게 작가의 혼을 투영시키느냐에 따라 작품은 살아있는 것이 되기도 하고 죽은 것이 되기도 한다. 작가가스스로 작품세계를 논하는 것은 온당치 않다. 자칫 자화자찬이 되기 쉽거니와, 그래서 그것은 평론가의 몫이다. 다만 나는 여기서 내가 중시하는 생각의 가치, 보편의 틀을 되새겨 보았다.
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 허회태 작가의 작품. ©브레이크뉴스 |
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 허회태 작가의 작 ©브레이크뉴스 |
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▲ 허회태 작가의 작품. ©브레이크뉴스 |
불가에 초발심(初發心)이 곧 깨달음이라는 말이 있듯이, 다시 처음으로 돌아가 먹을 갈고 또 갈고, 화선지 위에 쓰고 또 쓰고, 가만히 생각하고 또 생각하는 것 이상 무슨 길이 있을까 싶다는 것이 내가 늘 생각하는 서예가의 길이다.
하물며 "세상 사람들은 고작 유자서(有字書, 글자 있는 책)나 읽을 줄 알았지 무자서(無字書, 글자 없는 책)를 읽을 줄은 모르며, 유현금(有絃琴, 줄이 있는 거문고)이나 뜯을 줄 알았지 무현금(無絃琴, 줄이 없는 거문고)은 뜯을 줄 모른다. 그 정신을 찾으려 하지 아니하고 껍데기만 쫓아다니는데 어찌 거문고와 책의 참맛을 알 도리가 있겠는가." 라고 꾸짖는 채근담, 그리고 덧붙여 "소리를 통해 듣는 것은 소리 없는 데서 듣는 것만 같지 못하며, 모습을 즐기는 것은 모습 없는 데서 즐기는 것만 같지 못하다. 예술이란 귀로 하는 것이 아니라 마음으로 하는 것이다."는 서화담전의 경구는 내게 아직 아득하기만 하다.
*필자/허회태 작가. 이모그래피 창시자. Eg갤러리 관장.
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
The Path of a Calligrapher as I See It
- Author Heo Hoe-tae
If poetry is a speaking picture, and painting is a wordless poem, what is calligraphy? Calligraphy occupies the center of the common group of *Siseohwa* (poetry, calligraphy, and painting). Calligraphy is both painting and poetry, and poetry and painting. Therefore, I wonder if it acts as a mediator standing between these two realms, connecting poetry and painting.
Poetry shines as *Seo* (writing), and only then does it become *Hwa* (painting). Calligraphy is both speaking poetry and speaking painting. I believe that when an artist practicing calligraphy does not stop at being a calligrapher but is simultaneously a poet and a painter, they can further enrich their artistic world.
Just as with most arts such as literature, fine art, and music, the soul of the craftsman and the journey of his life are bound to be embedded within the work of calligraphy. Poetry possesses the infinite tools of expression through a thousand languages, painting through a thousand colors, and music through a thousand strings; yet calligraphy consists solely of the shades of ink. There is only a single dot and stroke, the wetness and dryness of the ink, the thickness of the lines, and the strength and weakness of the brush. There is no splendor here. It is infinitely simple. However, within that simplicity lies an infinity that surpasses a thousand words, colors, and sounds. Rather, within that simplicity, I discover ten thousand words, colors, and sounds.
Sitting alone in an empty study, grinding the ink, and before picking up the brush upon the paper, the calligrapher meditates on the verses of the Book of Poetry; it is then that the black ink becomes the pale pink of azaleas, acquires the splendid colors of summer peonies, autumn chrysanthemums, and winter camellias, and can elevate the flat language of poetry into the sensory world of painting. That is calligraphy, and that is how my work begins.
A calligrapher is born after years of arduous effort. Most people who first set their mind on calligraphy will master its spirit and techniques through the handwritten books left by our ancestors or through the process of refining specific brushwork styles.
The effort to find one's own world by exploring the contemplation and uniqueness of calligraphy with a selective perspective on the classics is common to everyone, and I am no exception.
It is my firm belief that a calligrapher must never let the ink dry, must grow hard amidst the scent of ink and books, and allow the fragrance of characters and the spirit of books to naturally permeate their being; only after undergoing such a process of refinement can one become a master capable of pursuing their own unique visual language. I often tell myself that the path of seeking the vein of gold, traversing a single road throughout my life without wavering, is the very destiny we must walk.
It is said that art comes when ripples of emotion stir within the heart. It means that when one quietly observes objects and feels a certain inspiration from them, that is the time to pick up the brush. Within this lies the meaning of *Muksiksimyung* (the fusion of silent consciousness and mind), which involves emulating the harmony of nature outwardly while drawing from the source of the heart inwardly.
By deeply looking into the essence of art and how the artist projects their soul upon it, a work of art can become either alive or dead. It is not appropriate for an artist to discuss their own artistic world. It is prone to becoming self-praise, and therefore, that is the role of the critic. However, here I have reflected on the values of thought and the framework of the universal that I hold dear. Just as there is a saying in Buddhism that the initial resolve is enlightenment itself, I always believe that the path of a calligrapher is to return to the beginning, grinding ink again and again, writing again and again on rice paper, and quietly contemplating again and again. Furthermore, "People of the world merely know how to read books with words, but do not know how to read books without words; they know how to pluck the stringed zither, but do not know how to pluck the stringless one. Chasing after mere shells without seeking the true spirit, how can they possibly know the true essence of the zither and the book?" The rebuke found in the *Chaegeundam*—"..."—and the aphorism from the *Biography of Seo Hwadam*—which adds, "Listening through sound is not as good as listening in silence, and enjoying form is not as good as enjoying in formlessness. Art is not done with the ears, but with the heart"—still feel distant to me.
*Author/Artist Heo Hoe-tae. Founder of Emography. Director of Eg Gallery
