브레이크뉴스 노보림 기자= 작품은 작가를 닮는다는 말이 있다. 어찌 보면 창작자의 생각이나 작업 환경은 그대로 작품에 투영될 수밖에 없다. 때문에 작품을 들여다보기 이전에, 작가를 먼저 들여다보면 그 작품을 보다 잘 이해할 수 있다. 이에 브레이크뉴스는 국내 작가들과의 릴레이 인터뷰를 통해 작가의 작품은 물론, 삶의 이야기를 들어보는 시간을 가지려고 한다. <편집자 주>
-작품을 그릴 때 주로 어디에서 영감을 받나.
주로 개인적인 요가 수행을 통해 경험한 신체 감각과 내면의 흐름에서 영감을 받는다. 수행 과정에서 몸으로 경험하는 다양한 아사나, 그리고 그 경험을 기록해온 일기장이 작업의 중요한 출발점이 된다. 요가 수행 중에는 “숨을 쉬세요”, “발로 단단히 지탱하세요”와 같은 큐잉들을 반복적으로 듣게 된다. 이 큐잉들은 우리가 의식하지 않은 채 삶을 지탱해 온 기본적인 감각들이며, 지나치게 익숙한 것들이다. 그러나 이 익숙한 것들을 반복적으로 감각하다 보면 다시 인지되기 시작하고, 완전한 안정에 이르기 직전, 오히려 낯설게 다가온다.
-독자들에게 직접 자신의 작품 1~2점을 소개해달라.
 ▲ 정원을 꿈꾸는 여인, 162x112cm, Oil on canvas, 2025. 권효선 © 브레이크뉴스 |
‘정원’은 도착지가 아니라, 돌봄과 상상의 궤도 속에서만 잠시 나타나는 ‘조용한 집’이라고 이야기하고 싶었다. 그래서 그 집을 완결이 아니라, 끝없이 지향되는 상태로 남기고 싶었다. 마치 동그란 원의 궤도를 따라 순환하듯 정원은 장소라기보다, 지속 속에서만 형성되는 감각이다. 결국 정원을 다듬는 행위는 자신이 머물 수 있는 세계를 조심스럽게 가꾸며 꿈을 놓지 않는 행위에 가깝다. 화면 속 서 있는 여인과 나란히 배치된 나무의 형상은 안정된 구도 속에 놓이지만, 강한 붓질과 넘쳐나는 색, 형상을 흔드는 리듬이 화면 위에 긴장을 불러온다. 이는 마치 봉합되지 못한 감각의 층위가 다시 표면으로 회귀하는 장면처럼 나타난다.
 ▲ , 100x65cm, Oil on canvas, 2026. 권효선 © 브레이크뉴스 |
나는 몸으로 느꼈던 경험을 가장 신뢰한다. 내가 ‘뿌리내림’의 감각과 가장 가까이 닿았던 순간은 요가 수련이었고, 그 신체적 경험들을 캔버스 위에 고스란히 옮겨오는 과정이 곧 내 작업이기도 하다. ‘Grounding’ 작품은 무엇인가를 ‘내 것’으로 동일화하려는 태도를 잠시 뒤로 밀어내고, 오히려 바닥을 의도적으로 감각하는 행위를 시각화한다. 몸이 땅과 연결되며 중심을 되찾는, 즉 그라운딩을 경험하는 순간은 내게 중요한 미적 경험으로 자리한다. 그 순간은 마치 깊이 사무쳐 있던 어둠의 감정을 지나, 더 확장된 내가 이전의 나를 조용히 끌어안는 시간처럼 느껴진다.
-왜 작가로서의 삶을 선택했나.
나는 특수한 감각이 열리는 순간을 포착하고, 붙잡고 싶다. 예컨대 특정 단어나 노래를 듣는 순간, 이전에 맡았던 것 같은 기억 속의 향수가 갑작스럽게 되살아나는 순간이 있다. 나는 그렇게 감각과 기억이 동시에 겹쳐지는 공감각적 순간을 발견하고 감각하는 일을 무엇보다 좋아한다. 우리는 분명히 알고 싶은데 끝내 말로 닿지 않는 감정과 상태를 살아가며 마주한다. 그러다 아주 찰나의 순간, 사소한 자극 하나로 말로 풀 수 없던 감각의 퍼즐들이 한 번에 맞물리는 듯한 쾌감을 경험한다. 나는 그 순간을 소리나 글, 움직이는 영상이 아닌, 정적인 하얀 캔버스 위에 붙잡고 싶었다. 감각된 분위기를 끌리는 색과 특정한 템포의 붓질로 단번에 밀어 넣고, 번지고 흐르며 다시 묻히는 과정을 반복하다 보면 비로소 하나의 형상이 드러난다. 그 형상은 눈앞을 스쳐 지나가지만, 가장 길게 머무는 숨과 같은 공백을 품고 있다고 느낀다. 이러한 순간을 발견하는 과정이 나를 계속해서 그림 앞으로 되돌려 놓았다.
-작가로 활동하며 가장 힘들었던 순간이 있다면 언제였나.
작가로서 품고 있는 꿈과 현실적인 상황 사이의 괴리가 갑자기 크게 다가올 때 가장 힘들게 느껴진다. 그 간극이 커질수록 평소에도 존재하던 부정적인 감정의 무게가 선명해지고, 그림을 그리고 창작하는 행위 자체가 조심스러워졌다. 결국 아무것도 하지 못한 채 멈춰 서 있는 상태에 이르게 되기도 하였다. 어렸을 때부터 붓과 물감을 늘 가까이 두고 성장해왔기에, 그런 순간에는 마치 오래 머물던 집이 사라지는 듯한 두려움이 따라온다. 그 두려움은 곧 조급함으로 변하고, 정답이 존재하지 않는 미술의 세계에서 자꾸만 정답을 찾으려 애쓰는 이상한 늪에 빠지게 된다.
-반대로 가장 행복했던 순간은?
붓을 놓지 않을 수 있다는 사실을 스스로 확인하게 될 때이다. 나만의 낭만과 감성으로 채운 작업 세계관을 비밀스럽게 구축해 나가는 과정과 붓을 잡을 수 있는 시간들은 심장이 떨릴 만큼 큰 행복으로 다가온다. 묵묵하게, 내 나름의 속도를 유지하며 작업을 지속할 수 있게 해주는 힘의 원천이기도 하다.
-앞으로의 전시 계획은
전시 활동은 마치 오래전부터 희미하게 꿈꿔왔던 작업세계를 위해 골조를 하나씩 하나씩 세워가는 과정과도 같다. 언젠가는 그 골조 위로 지붕을 얹고 문을 닫아 온전히 나의 작업 세계가 담긴 하나의 집을 완성하고 싶다. 나는 작업을 위해 평소 꾸준히 메모하는 습관을 가지고 있다. 그렇게 쌓인 메모들이 어느새 수백 개에 이르렀고, 그 안에는 이미 여러 전시 제목들과 다음 작업들에 대한 구상이 담겨 있다. 아직은 날것에 가까운 상태지만, 다음 전시는 이런 방향으로 가고 싶다는 확고한 감각들이 분명히 존재한다. 앞으로 다양한 공모에 지속적으로 참여하며 전시 경험을 확장하고, 꾸준한 전시 경험을 통해 나만의 작업 세계를 구체화해 나갈 계획이다.
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
[Interview] Artist Kwon Hyo-seon Captures Fleeting Moments Where Senses and Memories Intersect on Canvas
Break News, Noh Bo-rim = It's said that a work of art resembles its artist. In a way, the artist's thoughts and working environment are inevitably reflected in the work. Therefore, by first examining the artist before examining the work, we can better understand the work. Therefore, Break News will conduct a series of interviews with Korean artists, exploring their work and their life stories. <Editor's Note>
- Where do you primarily draw inspiration for your work?
I draw inspiration primarily from the physical sensations and inner flow experienced through personal yoga practice. The various asanas I experience during my practice, and the journals I keep documenting those experiences, serve as important starting points for my work. During yoga practice, I hear repetitive cues like "Breathe" and "Stand firm with your feet." These cues are fundamental sensations that sustain our lives without us even realizing it, and they are so familiar to me. However, when we repeatedly sense these familiar things, they begin to be recognized again, and just before reaching complete stability, they begin to feel unfamiliar.
- Please introduce one or two of your works to our readers.
Attached photos
Woman Dreaming of a Garden, 162 x 112 cm, Oil on canvas, 2025
I wanted to convey that a "garden" is not a destination, but a "quiet home" that appears only briefly within the orbit of care and imagination. Therefore, I wanted to leave this home not as a final destination, but as a state of endless aspiration. Like a circular path, a garden is not a place, but a sensation formed only through continuity. Ultimately, the act of gardening is closer to carefully cultivating a world in which one can dwell, holding onto one's dreams. The tree, juxtaposed with the standing woman in the painting, is positioned within a stable composition, but the strong brushstrokes, overflowing colors, and rhythmic movement of the forms create tension within the canvas. This appears as a scene where unsettled layers of sensation return to the surface.
Attached photo
<Grounding>, 100x65cm, Oil on canvas, 2026
I most trust the experiences I've felt through my body. The moment I felt closest to the sense of "rooting" was during yoga practice, and the process of translating those physical experiences onto canvas is my work. "Grounding" visualizes the act of intentionally sensing the ground, pushing aside the attempt to identify something as "mine," instead. The moment of grounding—the body connecting with the earth and regaining its center—remains a significant aesthetic experience for me. It feels like a moment of transcending deeply entrenched emotions, a time when a more expanded version of myself quietly embraces my former self.
-Why did you choose a life as an artist?
I want to capture and hold onto moments when a special sense is awakened. For example, when I hear a specific word or song, a nostalgic memory, as if I'd smelled something from before, suddenly resurfaces. More than anything, I love discovering and experiencing these synesthetic moments, where sensations and memories overlap. We live our lives encountering emotions and states we long to understand but ultimately cannot put into words. Then, in a fleeting moment, a small stimulus can trigger a sudden, exhilarating fit, as if a puzzle of senses previously insoluble in words were suddenly brought together. I wanted to capture that moment, not in sound, text, or moving images, but on a still, white canvas. By instantly imbuing the sensed atmosphere with a captivating color and a specific tempo of brushstrokes, and then repeating the process of spreading, flowing, and then re-embedding, a single shape finally emerges. That shape, though fleeting, feels like it holds a void, like a breath that lingers for the longest time. The process of discovering these moments has continually brought me back to painting.
-What has been the most challenging moment in your career as an artist?
The most challenging moment is when the gap between my dreams as an artist and the reality suddenly becomes magnified. As that gap widens, the weight of my already existing negative emotions becomes clearer, and the very act of painting and creating becomes more cautious. Ultimately, I find myself standing still, unable to do anything. Having grown up with brushes and paints close at hand since childhood, such moments are accompanied by a fear, as if the home I've long lived in is disappearing. That fear soon turns into impatience, and I find myself trapped in a strange swamp, constantly trying to find the right answer in the world of art, where there are no right answers.
- On the other hand, what was your happiest moment?
It's when I finally realize I can hold the brush. The process of secretly building a worldview filled with my own romanticism and sensibility, and the moments I can hold the brush, are such a joy that my heart races. It's also the source of strength that allows me to continue working quietly, at my own pace.
- Future Exhibition Plans
Exhibitions are like building the framework, piece by piece, for a world of art I've dimly dreamed of for a long time. Someday, I hope to put a roof over that framework, close the doors, and complete a house that embodies my artistic world. I have a habit of consistently taking notes for my work. The notes I've accumulated have now reached hundreds, and they already contain various exhibition titles and ideas for future projects. While still largely undrafted, I have a firm sense of where I want my next exhibition to go. Going forward, I plan to continue participating in various competitions, broadening my exhibition experience, and through consistent exhibition experience, I will continue to refine my own artistic world.
