 ▲ 모제이 갤러리 제이영 개인전 전시 스케치 |
모든 사물과 개념은 본질이 존재한다. 본질이란, 실존에 상대되는 말로서 어떤 존재에 대하여 정의될 수 있는 사물이 본디 가지고 있는 성질이나 모습이며 현상이 가지고 있는 고유한 특성이다. 크게 정의하면 자연의 본질은 법칙과 현상을 이루는 원리이며 인간의 본질은 이성과 도덕성으로 헤아려진다.
제이영 아티스트는 본질의 사유를 품은 겹과 층의 미학을 심층적으로 매만진 작가이다.
겹(layer)이란 물리적으로 물체의 면과 면 또는 선과 선이 포개진 상태가 거듭된 수평적 부피이며 층(floor)은 켜켜이 쌓인 수직적 상태와 특정한 시간적 상황에 존재하는 양을 뜻하는 단계와 계층(level)으로 정리된다.
이와 같은 겹과 층은 본질을 구성하는 바탕으로 사유적 맥락에서 서로가 긴밀하게 연관되어 있다. 이는 불교에서 연기(緣起)로 줄여 이해되는 모든 존재와 현상은 다양한 인연에 의해 생겨난다는 산스크리트어 프라티트야 싸무빠다(प्रतीत्यसमुत्पा)द를 번역한 인연생기(因緣生起)와 같은 의식으로 끝없는 윤회와 맞물려 있다.
제이영 아티스트가 추구하는 본질의 사유를 품은 미학을 세세하게 헤아리면 맑은 촛농과 같은 서정적인 감성을 겹겹으로 두른 채 켜켜이 쌓여있다. 이는 어린 시절 산골에서 자란 작가가 돌담을 쌓고, 흙을 쌓아 집을 짓는 과정을 바라보며 돌과 흙을 가지고 놀았던 유년의 기억에서 비롯된 유희(놀이)를 관통한 의식이다. 작가의 순간 또는 시기를 뜻하는 (Moment) 시리즈 작품에 고스란히 담겨 있다.
 ▲ 제이영 作 Moment 2023 |
작가는 유년의 유희(놀이)에서 기억하여 온 맨살 같은 감성을 인간이 자연과 함께 살아가는 과정으로 함축하였다. 이는 궁극적으로 작가 자신의 삶을 쌓은 그림이기도 하다. 서정적인 문체와 폭넓은 혜안으로 알려진 네덜란드 역사가 하위징아의 명저 유희(놀이)하는 인간이란 뜻인 호모 루덴스에서 부제로 정의한 “유희에서 문화의 기원”에 담긴 깊은 감성과 맞닿아 있는 대목이다.
이러한 맥락은 작가의 작품에서 활용된 재료적 특성에서 극명하게 확인된다. 작가는 자연 상태에서 주워 온 돌과 나무이거나 숯과 같은 재료들을 캔버스에 담아 왔다. 이는 엄밀하게 켜켜이 쌓아 올리고 덧바른 작가 자기의 삶과 세상의 여정을 그려낸 것이다.
이러한 바탕에서 작가는 숯(Charcoal)을 재료로 빚어낸 like-150mm 시리즈를 연속적으로 발표하였다. 한층 더 본질의 사유가 깊은 의식으로 확장된 것이다. 이는 덩어리진 숯이 들어박힌 오브제 작업에서부터 미세한 숯가루가 번쩍이는 질감을 형성하면서 역사라는 시간성의 숨결로 추스르며 세상이라는 지층(地層)을 쌓아 올린 것이다.
 ▲ 제이영 作 Moment 2023 |
작가의 작품에 층층이 쌓인 형태는 기억이며 시간이다. 이는 생의 나이테처럼 겹겹으로 중첩된 감성이 담장이라는 형태로 표현된 것이다. 중요한 사실은 작가는 이러한 담(wall)을 방어적인 울타리와 벽으로 세운 세상의 단절과 한계가 아닌 무한한 축적과 중첩으로 승화시킨 소중한 의식이다.
작가의 작품은 때로는 예고 없이 터지는 화산처럼 순간순간의 즉흥적인 감성이 자유로운 드로잉과 텍스추어로 표현된다. 이는 깊은 사유를 관통한 무의식적 행위로 작업에 담긴 본질적인 정신은 변함이 없으며 재료의 차이와 시각적인 차이만 존재할 뿐이다.
제이영 아티스트의 겹과 층을 매만진 사유적 미학으로 빚어진 작품에서 중시되는 내용은 극히 함축된 시적 표현이다. 작가 작품에서 겹은 숲속의 나무에 늘어진 잎사귀처럼 자유로운 형태가 어우러지며 서정적인 감성을 드러내고 있다. 마치 깊은 심연과 애틋한 감정이 녹아있는 빼어난 시의 구절과도 같은 구성이다. 나아가 이러한 감성은 단순한 시각적 미학이 아닌 내면의 감성과 깊숙하게 연결되어 있다.
 ▲ 제이영 作 Moment 2023 |
작가의 작품을 이루고 있는 층의 미학은 형태로 드러난 작품의 질감이다. 마치 끝없는 하늘을 품은 깊은 호수의 내면처럼 존재하고 있다.
"나의 예술은 늘 실험하고 모색하며, 나만의 방법으로 나의 예술 철학을 완성해 나간다"는 제이영 작가의 추상적인 작품 속에서 극히 서정적인 시의 감성이 쏟아져 내리는 느낌을 거머쥐게 되는 것은 무엇일까! 현대적인 재료와 기법 속에서도 순백한 동양의 미감이 흥건한 작품에서 문득 삶의 정한을 내밀하게 헤아려 간 이해인 수녀님의 시가 생각난다. 2006년에 발표한 시집 ‘시간의 얼굴’에 발표된 시 “가을 노래”의 구절이다.
(슬프지 않아도 안으로 고여 드는 눈물은 그리움 때문인가/ 가을이 오면 어머니의 목소리가 가까이 들리고/ 멀리 있는 친구가 보고 싶고/ 죄없이 눈이 맑았던 어린 시절의 나를 만나고 싶네) 이해인 시집 ‘시간의 얼굴’에서 시 “가을 노래” 중
유년의 유희(놀이)와 기억에서 탄생한 작가의 작품에 대한 국경이 없는 평가와 관심을 기대한다. artwww@naver.com
필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
Every object and concept has its essence. Essence is the nature or appearance of an object that can be defined for an existence as a word opposed to existence, and is a unique characteristic of a phenomenon. Broadly defined, the essence of nature is a principle that forms laws and phenomena, and the essence of humans is counted as reason and morality.
Artist Jay-young is an artist who deeply touches the aesthetics of layers and layers with the thoughts of nature.
A layer is a horizontal volume in which the surfaces, surfaces, or lines and lines of an object are physically overlapped, and the floor is organized into stages and levels, which refer to the vertical state stacked and the amount present in a specific temporal situation.
These layers and layers are closely related to each other in a private context based on the essence. This is in line with the endless reincarnation with a ritual such as the birth of a relationship, which translates the Sanskrit word Pratitya Samubada, that all beings and phenomena understood by Buddhism are caused by various relationships.
If you look at the aesthetics of the essence pursued by artist Jay-young in detail, it is piled up with lyrical sensibilities such as clear candle wax. This is a ritual that penetrates the play (play) that stems from the memory of a child who played with stones and soil while watching the process of building a house by building stone walls and soil as a child. It is contained in the work of the Moment series, which means the moment or period of the artist.
The artist implied the bare skin-like sensibility that he remembered in his childhood play as a process in which humans live with nature. This is also a painting that ultimately builds up the artist's own life. It is in line with the deep sensibility of "The Origin of Culture in Play," defined by the subtitle Homo Ludens, which means a human being who plays as a masterpiece of Howijinga, known for its lyrical style and wide insight.
This context is clearly confirmed in the material characteristics used in the artist's work. The artist has been putting materials such as stones and wood or charcoal that he picked up from nature on canvas. This depicts the artist's life and the journey of the world, which was strictly stacked and overlaid.
Based on this, the artist published a series of like-150mm series made of charcoal. Furthermore, the idea of the essence has been extended to a deep consciousness. This is from the object work in which lumped charcoal is embedded to the texture of fine charcoal powder flashing, collecting it with the breath of the time of history, and building the strata of the world.
The layered form of the artist's work is memory and time. This is expressed in the form of a fence with overlapping emotions like the rings of life. The important fact is that the artist sublimated these walls into infinite accumulation and overlap, not the disconnection and limitation of the world built with defensive fences and walls.
The artist's work is sometimes expressed in free drawing and texture, like a volcano that bursts without notice. This is an unconscious act that penetrates deep thought, and the essential spirit contained in the work remains unchanged, and only differences in materials and visual differences exist.
The content that is important in the work created by the contemplative aesthetics that smoothes the layers and layers of artist Jay-young is an extremely implied poetic expression. In the artist's work, the layers of trees in the forest are combined with free forms like drooping leaves, revealing lyrical sensibility. It is like a verse from an outstanding poem that combines deep abyss and affectionate emotions. Furthermore, this emotion is deeply connected to the inner emotion, not just visual aesthetics.
The aesthetics of the layer that makes up the artist's work are the texture of the work revealed in form. It exists like the inner side of a deep lake embracing an endless sky.
What catches the feeling of the extremely lyrical sensibility of poetry pouring down in the abstract work of artist Jay-young, "My art always experiments and seeks, and completes my art philosophy in my own way?" Even in modern materials and techniques, I suddenly think of Sister Lee Hae-in's poem, which has a pure sense of Oriental beauty. It is a verse from the poem "Autumn Song" published in the 2006 collection of poems "Face of Time."
(Is it because of longing? I can hear my mother's voice close to me when autumn comes/ I want to see my friend far away/ I want to meet myself in my childhood when my eyes were clear without sin) From Lee Hae-in's poetry book, "Face of Time," "Autumn Song."
We expect borderless evaluation and interest in the works of artists born from childhood play and memory. artwww@naver.com
Author: Lee Il-young
Director of the Korean Art Center. a columnist and a poet
